PASIÓN POR ANIMAR. VAMPIROS, GATOS Y FLORES CARNÍVORAS EN LA OBRA DE MARÍA LORENZO

Hace unos días Ateneas dedicaba una entrada a charlar con María Lorenzo. La propuesta era conocer mejor la personalidad de esta artista polifacética y versátil a través de sus propias palabras. Pero esa semblanza quedaría incompleta sin una visión, siquiera panorámica, de su trayectoria como dibujante, pintora, animadora y miembro de la comunidad académica y, sobre todo, sin revelar las líneas de fuerza que recorren sus cortometrajes y también su producción teórica. Espero que estas reflexiones nos permitan explorar con cierta profundidad su obra, para degustar aún más sus sorprendentes hallazgos.

AMAR EL ARTE

María Lorenzo Hernández nace en Alicante el 29 de octubre de 1977. Desde su más temprana infancia ya resultaba evidente aquello  para lo que estaba especialmente dotada por naturaleza: el dibujo, la pintura, el modelado, el diseño…Comienza sus estudios artísticos en la Escuela Municipal de Dibujo y Pintura de Torrevieja, de la mano del pintor alicantino Manuel Balaguer, hacia quien siente una deuda especial de gratitud. Experimenta la técnica del óleo copiando incansablemente a los grandes maestros, para desentrañar sus secretos: sobre todo  Leonardo y Velázquez pero también Vermeer, Ghirlandaio, John Singer Sargent, Sorolla…

Gracias a la frescura y originalidad de sus ideas, logra una experiencia temprana de éxito en diversos concursos, entre los que yo destacaría especialmente el Premio Rafael Penagos de Dibujo, el más prestigioso a nivel nacional, en el que resulta seleccionada hasta en tres convocatorias sucesivas, a pesar de su corta edad, signo indubitable de su precoz talento.

"Victor",  un maestro muy querido para  María, premio a la Mejor Artista Novel, Fundación Jorge Alió, 2002

María obtiene la licenciatura de Bellas Artes en la Universitat Politècnica de València (UPV) en el año 2000. Para entonces ya había descubierto las grandes posibilidades innovadoras que presenta la animación, hacia la que enfoca todos sus esfuerzos. Durante sus estudios universitarios realiza los siguientes cortometrajes animados: Sideral (1998), 20.000 viñetas submarinas (1999) y La pantera de Rilke (2000). Este último trabajo, a pesar de su brevedad y sencillez formal, tiene muchísima fuerza expresiva. La pantera aprisionada que evoca Rainer Maria Rilke en su poema es una metáfora de nuestra libertad vigilada. Podéis ver este corto, en que ya apuntaba excelentes maneras como animadora, en el siguiente enlace: http://vimeo.com/8410614

La autora accedió al Departamento de Dibujo de la Politécnica con una beca pre-doctoral, que le habilitaba para impartir clases en prácticas, y esa experiencia  la encaminó hacia el campo docente. Desde 2005 es profesora de Animación en la Facultad de Bellas Artes de la UPV, y obtuvo su doctorado cum laude en 2006. En 2012 recibió el Premio a la Excelencia Docente, otorgado por el Consejo Social de la UPV. Actualmente es subdirectora del Departamento de Dibujo, y compagina la docencia con su actividad ensayística, con la dirección de la revista especializada Con A de Animación y, por supuesto, con la realización cinematográfica. Me gustaría que os detuvierais a descubrir su enorme destreza con el dibujo en este enlace: http://politube.upv.es/play.php?vid=56934

RETRATO DE D. (2004)

Nowan Dyes, un decadente en el fin de siglo

Su primer proyecto fílmico de envergadura, Retrato de D., era sumamente original. Una de las muchas historias que Bram Stoker pretendió escribir acerca de Drácula, y que finalmente no incluyo en la novela de 1897, fue la de Francis Aybrown, un artista que intenta pintar el retrato del Conde sin éxito, pues siempre acaba pareciéndose a otras personas. María  tiró de ese cabo suelto en la novela, el del vampiro sin imagen, que tan sugestivo resulta para el campo de la pintura, para elaborar primero un relato, Retrato de D., que  en 2004 convirtió  en un exitoso corto de animación  gracias a una cuidada estética que evoca la pintura impresionista en movimiento. En ese corto M. Lorenzo consiguió dar un giro al mito de Drácula hacia la sociología del artista. La idea rectora es la aspiración, siempre insatisfecha, a la obra de arte perfecta, con reminiscencias de El retrato de Dorian Gray (1890), de Oscar Wilde. Abajo tenéis el enlace para ver el corto:

 http://vimeo.com/5743368

Londres, 1891. En un ambiente modernista, decadentista, Nowan Dyes es el pintor de moda cuyos favores se disputan todas las damas. Herido por el spleen baudelaireano, el hastío finisecular, Nowan detesta ese ambiente frívolo y solo desea pintar al fascinante conde D. Como un moderno Sísifo, cada día emprende el trabajo de nuevo porque las líneas  se desdibujan tras la noche. Leemos en el espléndido cuento borgeano escrito por María Lorenzo: Pintar a D. fue como querer fijar con alfileres el lánguido devenir de una voluta de humo: una vez terminado el boceto, cambiaban las proporciones de su varonil figura; los tonos nacarados de su frente altiva se tornaban verdes y grises sobre el lienzo; y cuando había terminado de acusar los ángulos de su rostro, la masa de pintura me mostraba impúdica una máscara de mujer. Una y otra vez, durante meses, daba por acabado el retrato, y a la mañana siguiente, con la cabeza despejada tras pocas horas de sueño, desde el fondo de mi estudio me sorprendía el retrato de una persona diferente. No fue sino muchos años después cuando llegué a comprender la aflicción de cinco siglos que arrastraba el Conde, aullando desesperado frente al espejo de mi estudio, incapaz de recordar los rasgos de mi propia cara.

Fotograma de Retrato de D.

Obsesionado con el misterio, el pintor acude a casa de D. para obtener alguna respuesta. Allí recibe su bautismo de sangre, iniciando una nueva existencia, la de la lucidez artística, a la  que pronto seguirá el tormento eterno. El mordisco transformador catapulta a Nowan treinta años por delante de su tiempo, llevándolo al bullente ambiente artístico del período entreguerras. En un espectacular flash-forward, tanto desde el punto de vista narrativo como visual, vemos pasar delante de las lentes ahumadas de Nowan -un guiño a las gafas bohemias de Gary Oldman en el Drácula de Bram Stoker (Coppola, 1992)-, máscaras de gas de la primera contienda mundial y algunas de las más conocidas imágenes de las vanguardias pictóricas, como la araña de Odilon Redon, al ritmo frenético del jazz de los años veinte. Pero, pasada la efervescencia creativa, Nowan se percata de que la evanescente belleza de D., atractiva y repelente al mismo tiempo, siempre se escapará a su pincel. Y, aún más, la muerte en vida convierte a Nowan en un vampiro existencialista, que lo acerca al Nosferatu (1979) de Werner Herzog: Es una experiencia terrible no poder envejecer. La muerte no es lo peor. Hay cosas más terribles que la muerte. ¿Se imagina vivir durante siglos? Experimentar todos los días las mismas banales experiencias.

Retrato de D. es también una profunda reflexión metafísica sobre el paso del tiempo. Esta es otra parte trágica del sino de Drácula, que nos advierte de lo equivocadas que están nuestras pretensiones de vivir para siempre. Nowan, convertido en Nadie para las generaciones posteriores, apuesta su alma y su propia imagen inútilmente por una imposible perfección artística, otra dolorosa herida para nuestra aspiración a lo Absoluto, que ya habían reflejado Balzac en La obra maestra desconocida (1831)-que ilustraría un Picasso entusiasmado-, o Henry James en La Madonna del futuro (1873).

Nowan Dyes, No one dies

Este cortometraje, realizado en 2004, fue seleccionado y exhibido en 25 festivales internacionales de cine de animación, entre los que destacan los celebrados en Annecy (Francia), Bruselas, República Checa, Zagreb, Río de Janeiro, Espinho, Leipzig, Corea del Sur, Londres, Melbourne, Genzano di Roma, Dresde, Ucrania, Letonia, Teherán, Wissemburg, Belgrado o Bolonia. Igualmente, participó en más de 30 eventos nacionales de cortometraje, obteniendo diversos premios y menciones, entre los que destacan el Primer Premio del IV Certamen de Cortometrajes de Animación Ibercaja-Logroño, el Accésit en el Certamen de Jóvenes Creadores 2004 (Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de Madrid) y el Premio a la Mejor Animación en los VII Premis Tirant de l´Audiovisual Valencià 2005. Retrato de D. aparece referenciado en 25 catálogos que recogen las obras a concurso en estas competiciones. 

El libro Mamá, quiero ser artista. Entrevistas a mujeres del cine de animación (Isabel Herguera, Begoña Vicario, 2004), que seleccionaba a las diez animadoras más notables de España en los últimos 20 años, incluía una entrevista a la directora con motivo de su brillante debut cinematográfico. Del mismo modo, la revista digital americana AWN Animation World Network le dedicó un artículo en el que destacaba la calidad plástica de la película, la amplia paleta de color, así como sus aportaciones al lenguaje cinematográfico, como el original uso de las transiciones en continuidad entre secuencias. Y es que, en efecto, los hallazgos artísticos son tan trascendentales en el filme como su atrevido desarrollo argumental. En una entrevista publicada en el blog Animaholic, en 2006, la realizadora explica las influencias estilísticas presentes en el corto, y su laboriosa metodología de trabajo:

La pintura animada de Georges Schwizgebel

Mi forma de hacer es deudora de la que ha desarrollado un animador suizo, Georges Schwizgebel, que pinta con acrílico, gouache y otros pigmentos sobre millares de acetatos. Bien, si la historia trataba sobre un retrato, tiene coherencia que el lenguaje visual del filme también sea pintura, ¿no es así?

La pintura acrílica sobre acetato es un proceso heredado de la animación clásica –hoy en día ya nadie los usa-, pero yo le doy la vuelta al soporte y pinto por delante, como si lo estuviese haciendo sobre lienzo o papel, olvidándome de delimitar la línea de contorno, de manera que la forma pintada vibra de una imagen a otra.

Para esta película fue necesario pintar 2.100 acetatos, más 200 dibujos que corresponden a una secuencia en tinta china sobre papel. Sinceramente desconozco cómo se trabajaba esta técnica profesionalmente, pero sé muy bien que mi casa, las mesas, las camas, todos los muebles estaban cubiertos de dibujos a medio hacer durante la fase de pintado.

“Retrato de D.”, al igual que “William Wilson” [del oriolano Jorge Dayas] está centrado en la identidad, la alternancia entre el yo bueno/malo de su protagonista; Nowan Dyes, el pintor de mi película, busca desesperadamente pintar a D., pero no sabe que en realidad se busca a sí mismo: cuando vende su alma y se convierte en vampiro para poder terminar el retrato (como el pacto de Fausto, que vende su alma a cambio de la sabiduría), no se da cuenta de que se ha perdido irremisiblemente.

Puro Otto Dix

En un estupendo artículo escrito por María- ya habréis comprobado que escribe tan bien como pinta-, desarrolla un audaz correlato entre la animación-que etimológicamente significa dotar de alma a lo muerto-, y el mundo vampírico. De ese texto me interesa destacar aquí su descripción de otras líneas artísticas confluyentes en Retrato de D. Así, el modernismo de John Singer Sargent y Giovanni Boldini, que inspiran su estética fin de siècle. Y también aparece el animador Raimund Krumme, cuyos movimientos de cámara determinan los cambios de escenario a través de los cuales se producen las elipsis temporales de la historia. Pero el catálogo de las citas sería inacabable: Otto Dix, Edvard Munch, la pintura expresionista…Seguirles la pista es todo un desafío para los cinéfilos y, en general, para los amantes del arte.

LA FLOR CARNÍVORA (2009)

Fotograma de La flor carnívora

Dos años y más de 6000 dibujos empleó la autora para llevar a cabo su siguiente obra, un cortometraje intimista, muy personal, que describe un universo femenino cerrado, lleno de obsesiones y recuerdos. La estética es radicalmente distinta. Si en Retrato de D. encontrábamos un amplio colorido, ahora domina el dibujo minimalista en blanco y negro, solo con algunos acentos dramáticos de color. De los múltiples personajes y ambientaciones del corto precedente pasamos a solo dos, un hombre y una mujer de identidades inestables, en un espacio claustrofóbico en el que la solitaria  protagonista espía los ruidos procedentes el mundo exterior. Nada accesorio debe distraer la atención de la tragedia de esta joven nostálgica,  perdida en un laberinto de emociones confusas y atrapada en la viscosa maraña de su memoria.

El estilo Krumme

La referencia directa de estilo es ahora Raimund Krumme, y quizá advirtamos cómo la triste joven se asemeja a ratos a la trastornada Catherine Deneuve en Repulsión (1965) de Roman Polanski. Nuevamente el argumento es obra de la directora, que sigue desgranando en su segunda producción la problemática central en Retrato de D., la de la identidad. Si el corolario de su anterior historia era la imposibilidad del autoconocimiento, la anónima protagonista de La flor carnívora no logra reconocer al hombre amado cuando vuelve, y arrastra a los espectadores hacia la corriente de sus dudas.

Fotograma de La flor carnívora

Las citas mitológicas son decisivas en el devenir del argumento: como en la leyenda griega de Butades acerca del origen de la pintura, la joven dibuja el contorno de su amante que la abandona para no olvidarlo. Y, como Penélope en la Odisea, siempre espera su retorno. Pero el que vuelve no parece el mismo hombre que partió. Ha traicionado la imagen que había quedado congelada, retenida en el recuerdo de esta mujer cuyo ser es puro amor. El panta rei de Heráclito acarrea la decepción amorosa de quien espera anhelante la realización de un ideal  de sentimientos imperecederos. Pero la joven es menos inocente y frágil  de lo que aparenta. Actúa como una venus atrapamoscas, bella y seductora pero letal. Las dos facetas de la Mujer, angelical y demoníaca, en un solo personaje, dos yoes femeninos en pugna.

Fotograma de La flor carnívora

Nuevamente nos encontramos con un producto muy exigente para el público, con una gran densidad narrativa, por lo que merece una repetida visualización para captar a fondo su atmósfera melancólica y opresiva, capaz de remover las comodidades del espectador. La Gnossiene n.1 de Erik Satie, con su morosidad musical, es un perfecto acompañamiento para el avance de la historia. Otras  fuentes visuales  presentes en el filme son el cine de Fritz Lang (M, el vampiro de Dusseldorf), y narrativamente, el tema del doble en David Lynch (Carretera perdida).

Podéis acceder al filme en https://vimeo.com/3941739

María Lorenzo en Animac 2011

El proyecto obtuvo la subvención del Instituto Valenciano de la Cinematografía, IVAC, y fue estrenado  en el Festival Internacional de Cine de Valencia - Cinema Jove, en el Centro Cultural Bancaja y, en televisión, por la Radio televisión Valenciana, RTVV, en el programa cultural Ficcionari, resultando también preseleccionado para los Premios Goya 2010 al Mejor Corto de Animación. El mismo año, la película fue elegida por el IVAC La Filmoteca para el programa de difusión del audiovisual valenciano CURTS 20’10’’, consistente en la publicación del cortometraje en DVD y su promoción en festivales de cine y eventos especializados. Fue  seleccionada en 48 festivales de cine y de animación. Entre los eventos nacionales de cine y de cortometraje destacan: Cinema Jove (Valencia), Mostra de Valencia, Festival de Cine de Alicante, Festival Int. de Cine de Huesca...Ha sido exhibida en múltiples festivales internacionales de cine y cortometraje ( Bangkok, San Petersburgo, Toulouse y Clermont- Ferrand en Francia, Sofía, Dawson City y New York International Latino Film Festival). Igualmente fue seleccionada en gran número de festivales de animación, entre ellos: Bradford Animation Festival (Reino Unido), Anifest (Rep. Checa), Anim’Est (Bucarest), Wissembourg (Francia), Anima Bruselas y en todos los principales certámenes nacionales de animación, logrando el Primer Premio a Cortometraje de Animación en Metropol’His 2011 (Hospitalet del Llobregat, Barcelona), Accésit en el X Certamen Int. de Cortos de Animación Ibercaja (Logroño), y el Accésit de Animación en el Festival de Cortometraje Cortocomenius 2010 (Valencia).

 La flor carnívora aparece en la publicación de 50 aniversario del prestigioso festival de Annecy Créateurs & Créatures. 50 Ans de Festival International du Film d’Animation d’Annecy, y es reseñada en el artículo “Women Made in Spain. 2009-2010 Animation Films and Work-In-Progress”, publicado en la revista Animation Reporter (2010). Del mismo modo aparece en el libro Alicantinos en el cine. Cineastas en Alicante, Editorial Club Universitario, Fundación Centro de Estudios de la Ciudad de la Luz. Con motivo de la realización de este corto, su directora fue invitada a escribir un artículo sobre su filmografía: “De la animación y otros vampiros”, en el número especial sobre animación española de L’Atalante. Revista de Estudios Cinematográficos julio-diciembre 2010, Universidad de Valencia, que venimos reseñando.

EL GATO BAILA CON SU SOMBRA (2012)

El año pasado María coordinó la realización del cortometraje colectivo El gato baila con su sombra, un estupendo homenaje a la historia del cine como universo de las sombras animadas. Podéis disfrutar  esta joya y entreteneros con la infinidad de citas a las grandes leyendas del cine de terror en el enlace siguiente: http://politube.upv.es/play.php?vid=56934

Como siempre, María vuelve a lanzarse al más difícil todavía. En este caso, la singularidad del proyecto residía en aglutinar el trabajo de  más de 50 colaboradores- profesores de animación como Sara Álvarez, Miguel Vidal, M. Carmen Poveda, artistas plásticos como Victoria Cano, animadores noveles con tanto reconocimiento como Adriana Navarro y Emilio Martí, y alumnos egresados que ya han accedido al mundo profesional (como J.P. Arroyo, Eva Figueroa o Raquel Guerrero)-, en lo que terminó siendo un homenaje al maestro de animación y compañero en las aulas Miquel Guillem, también colaborador de este corto, y que inspiró el modus operandi del mismo con trabajos previos como Flamencos/as. 

Miquel Guillem en un espléndido retrato de María Lorenzo 

El sorprendente resultado es un corto muy impactante desde el punto de vista visual, como una jam animada que hipnotiza por la velocidad de sus imágenes y su perfecta conjunción con la música que las acompaña. Pese a la diversidad de técnicas y de motivos de cada colaborador, a los que se les permitió la libertad creativa, es de destacar el sentido de unidad narrativa que aparece ante los ojos del espectador. Las escenas adquieren sentido definitivo durante el montaje, ajustando los fragmentos al ritmo de la partitura original, obra de un talentoso compositor, Armando Bernabeu Lorenzo, con quien María viene contando en sus últimas producciones y cuyo trabajo, incuestionablemente, es uno de los grandes aciertos del cortometraje. 

El compositor Armando Bernabeu pintado por M. Lorenzo

Como advierte la directora, en un tiempo en que las ayudas al cine se recortan drásticamente y desaparecen muchas de las empresas del sector, proyectos como El gato baila con su sombra demuestran que se puede seguir trabajando de manera creativa, aportando ideas y nuevos procedimientos con que superar las dificultades del contexto.

El cortometraje se usó como caso de estudio durante una sesión de trabajo sobre Open Innovation en Ericsson Madrid (abril 2012), como ejemplo de proyecto ágil, donde el resultado final no puede preverse desde un comienzo ni puede conseguirse mediante un equipo de trabajo limitado. Fue seleccionado en 2012 por el IVAC-La Filmoteca para el programa de difusión del audiovisual valenciano CURTS 20’12’’ (http://ivac.gva.es/fomento/fomento-cortometraje-valenciano/curts-cv/el-gato-baila-con-su-sombra).

Fotograma de El gato baila con su sombra, una cita a La dama de Shangai de O. Welles, por Sara  Carramiñana

En tan solo un año de promoción, El gato baila con su sombra ha sido seleccionado en más de 30 festivales de cine, cortometraje y animación de carácter nacional e internacional. Entre sus premios y menciones destacan la Mención a la Mejor Propuesta Estética, en CARTÓN – Festival de Animación la Tribu 2012 (Argentina), el Premio al Mejor Corto de Animación en el certamen DONES EN ART – Dona i Cinèma 2012 (Valencia), y el Premio TELSON a los Mejores Efectos Especiales, de la Semana de Cine Experimental de Madrid 2012.  RTVV emitió una entrevista a la autora y fragmentos de El gato baila con su sombra en el programa Ficcionari (1-7-2012), con motivo de su estreno en La Filmoteca, y tuvo un pase especial en el II Festival Internacional Dona i Cinema en Valencia. Particularmente meritoria me parece su inclusión entre los 99 mejores cortos del año 2012 en el Anuario Fotogramas 2013, dentro de la sección Los 99 Cortos del Año. FILMAFFINITY le dedica una ficha en su base de datos (http://www.filmaffinity.com/es/film254144.html).

EL ENSAYO SOBRE ANIMACIÓN

Este repaso a la obra de María Lorenzo quedaría incompleto si no incluyese al menos una mención a algunos de sus estudios teóricos sobre animación. No podemos olvidar que, además de realizadora, también es investigadora, y una actividad se retroalimenta con la otra. Una búsqueda constante en sus trabajos, su más característico leit motiv, se refiere también a la propia identidad del animador/a y de la propia animación como arte, que está en continua e intensa reelaboración. “Morel_Moreau_Morella. The Metamorphoses of Adolfo Bioy Casares’ Invention in a (Re) Animating Universe”  es una apasionante búsqueda de los mitos de la antigüedad inspiradores de la animación: Osiris despedazado y reanimado por su esposa Isis, y Orfeo reviviendo al espíritu de Eurídice en el inframundo.

Muchos aparatos han jalonado el camino hacia el cinematógrafo: la cámara oscura, antecedente de la fotografía, que ofrece una sensación espectral de realidad doble, y tantas otras máquinas productoras de la  ilusión visual de vida y movimiento, como el taumatropo, el praxinoscopio, el zootropo, etc., con los que los seres humanos hemos intentado consolar nuestra soledad de seres inteligentes sin una réplica en la que contemplarnos y con la que medirnos. La tecnología ha venido en nuestro auxilio en ese afán de crear dobles, como los autómatas o los robots. Su versión cinematográfica más sofisticada, que con más intensidad coloca el espejo frente a nosotros para reflejar las dudas e incertidumbres sobre nuestra condición, es la de los replicantes  de Blade Runner.

El autómata de La invención de Hugo de Scorsese, una referencia en el estudio de M. Lorenzo

La literatura, como no podía ser menos, se ha hecho eco de estas cuestiones radicales: los Cuentos de ETA Hoffman y su muñeca Olympia, Morella de Edgard Allan Poe o La isla del Dr. Moreau, de H.G.Wells, un laboratorio en un espacio utópico para crear monstruos con apariencia humana. Bioy Casares juega con ese legendario nombre, que transforma en Morel, en su novela corta de 1949, un texto magistral en que la máquina replica a los seres vivos y los reemplaza por sus dobles virtuales. Toda una metáfora del cine y, en particular de la animación, que la autora considera un residuo del pensamiento animista en una era moderna en busca de la eternidad.

  “Morel_Moreau_Morella” se publicó en Animation: An Interdisciplinary Journal (julio 2013) (http://anm.sagepub.com/content/early/2013/04/30/1746847713485535.full.pdf+html). La primera versión de este artículo fue presentada en 2010 en el congreso Animation Evolution de la Society for Animation Studies, de la que María es miembro, en la conferencia anual celebrada en  Edimburgo. http://ww2.animationstudies.org/

En “La pasión del autómata, o "In these machines is contained the Dream": The PianoTuner of Earthquakes de los Hermanos Quay”, en la revista española L’Atalante. Revista de estudios cinematográficos, 2012, enero-junio, la autora revisa la adaptación apócrifa de la citada novela de Bioy Casares en el film dirigido por los animadores y escenógrafos Stephen y Timothy Quay. Otro texto sobre esta materia,-que verdaderamente fascina a María Lorenzo-, es “The Mysterious Animated Inventions by Anthony Lucas, or the Epic of Jasper Morello”,  presentado en la primera edición del congreso anual CONFIA. I Conference on Illustration & Animation, 2012. En él analiza el universo ficcional del cortometraje de animación nominado a un Oscar, The Mysterious Geographic Explorations of Jasper Morello (Anthony Lucas, 2005), deudor, como La Invención de Morel, de La Isla del Dr Moreau . La versión castellana de este artículo, “Las misteriosas invenciones de Anthony Lucas, o la literatura re-animada”,  podéis encontrarla en http://www.deforma.info/es/product.php?id_product=130.

Las misteriosas exploraciones geográficas de Jasper Morello, de A. Lucas, con su estética steampunk

Otro interesantísimo artículo es " Una película propia: El autorretrato femenino animado contemporáneo". En él se revela la preocupación de María por los signos identificadores del autorretrato femenino en animación. Como pone de manifiesto la autora, a diferencia de sus colegas masculinos, solo recientemente las animadoras se han lanzado a plasmar sus biografías en este formato. La razón es la misma que ya apuntaba Virginia Wolf en Una habitación propia (1929) para las mujeres escritoras: las dificultades económicas y la falta de reconocimiento de un espacio propio para desplegar la identidad creadora. El artículo de María se ocupa principalmente de una realizadora tan conocida para el gran público como la iraní Marjane Satrapi, a la que todos recordamos por la conmovedora Persépolis (2007). Como características más destacadas de la animación hecha por mujeres, la autora destaca su tendencia a mostrar su proceso creativo, un toque documentalista y la utilización de múltiples voces en diálogo, en contra del discurso masculino más monolítico. Aquí tenéis el enlace: https://www.academia.edu/3855724/Una_pelicula_propia_El_autorretrato_femenino_animado_contemporaneo

Fotograma de Persépolis, de M. Satrapi

El perfil  completo de María como investigadora y divulgadora está accesible en el siguiente link, donde también se pueden leer, entre otras, sus colaboraciones para revistas como Animation Reporter y la desparecida web de cine Tren de Sombras. Revista de análisis cinematográfico:

http://upv.academia.edu/Mar%C3%ADaLorenzo

Los ensayos especializados de María Lorenzo en materia de animación no son fácilmente accesibles para no iniciados, pero la autora también tiene publicados en la red textos muy legibles de divulgación sobre la historia de la animación ,como el que ha tenido la gentileza de compartir en Ateneas recientemente sobre una genial animadora alemana de entre guerras, Lotte Reiniger, y que os aconsejo que no os perdáis: http://mujeresparalahistoria.blogspot.com.es/2013/10/lotte-reiniger-luces-y-sombras-de-la.html

Fotograma de Cenicienta, de Lotte Reiniger

También son muy recomendables otros textos en el blog Espíritu y Cuerpo: uno sobre Werner Nekes  y los aparatos pre-cinematográficos: http://esprituycuerpo.blogspot.com.es/2013/09/la-coleccion-de-werner-nekes-y-la.html;  uno muy entretenido sobre el cine de Woody Allen: http://esprituycuerpo.blogspot.com.es/2011/08/de-lo-sobrenatural-en-el-cine-de-woody.html ; o sobre El misterioso caso de Benjamin Button y El hombre sin edad de Coppola: http://esprituycuerpo.blogspot.com.es/2012/07/serendipias-de-videoclub.html 

Autorretrato en San Francisco

 Sobre la autora podéis leer la primera entrevista realizada en este blog, en el siguiente enlace: http://mujeresparalahistoria.blogspot.com.es/2013/11/conversando-con-maria-lorenzo.html.
Tras su nuevo y extraordinario corto La nit de l óceà (2014) hemos mantenido otro diálogo, al que podéis acceder en este enlace: http://mujeresparalahistoria.blogspot.com.es/2015/05/lovecraft-en-el-mediterraneo-la-nit-de.html