CONVERSANDO CON MARÍA LORENZO

 María Lorenzo Hernández, torrevejense de origen, nació en Alicante en 1977. Actualmente es profesora de Animación en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia, donde también obtuvo su doctorado. Después de experimentar con una técnica muy personal y artesanal, como es la pintura animada, tras un cortometraje tan interesante como “La pantera de Rilke” (2000), en el que reflexiona sobre la libertad, se lanza a proyectos de mayor envergadura como “Retrato de D.”(2004) y “La flor carnívora” (2009), trabajos que han obtenido una gran difusión nacional e internacional, como también el proyecto colectivo “El gato baila con su sombra”, del que fue directora. María no descansa y, con una reciente maternidad, sigue con su actividad docente y de realización con grandes ideas para llevar a la práctica. En una conversación virtual nos ha contado cosas muy interesantes sobre cómo llegó a Bellas Artes y sobre su  trabajo como animadora. 

P: ¿Qué querías ser de mayor?

R: Pues diseñadora de modas. La mayoría de mis primeros dibujos eran de mujeres cuya apariencia me fascinaba, con sus vestidos antiguos, modernos o lujosos. Llenaba montones de blocs con esos temas. Recuerdo que una de mis pelis favoritas era "Mi desconfiada esposa", de Vincent Minelli, con una glamourosa Lauren Bacall. Y que me encantaban los libros de dibujo de moda que teníamos en casa, los cuales me ayudaron a aprender a dibujar con un poco de sistemática, desde lo general a lo particular.

P: Resultaste seleccionada varias veces en uno de los premios nacionales de dibujo más importantes, como es el Penagos. ¿Cómo fue esa experiencia del éxito temprano en concursos de pintura y dibujo? ¿A  qué camino te condujo?

R: Los premios, como también ganar dinero, son el reconocimiento a un trabajo bien hecho. Te dan confianza en ti misma y consolidan lo que crees que es una vocación. Pero ganar un premio o figurar repetidas veces en una selección muy disputada no asegura nada.

En pocas palabras, creo que ese éxito temprano me llevó a concentrar mucha seriedad y energía en algo que no servía para sacar mejores notas en el Instituto, pero que me ayudaría mucho después: dibujar, dibujar y dibujar.  

101 Interpretaciones, del concurso Rafael Penagos

 P: ¿Qué te llevó a la Facultad de Bellas artes?

R: El convencimiento de que era lo que me convenía, porque era la única forma de ser feliz. Es mejor dedicarte a lo que se te da bien, aunque aparentemente no sea rentable, que ir contra tu propia naturaleza y no disfrutar de lo que haces. Manuel Balaguer, un gran pintor alicantino, me lo dijo claro: él había estudiado para aparejador simplemente por miedo de no poder vivir de las Bellas Artes, pero cuando quiso darse cuenta estaba ganando más dinero con los cuadros que pintaba que con su trabajo de arquitecto técnico. Nuestro profesor Mariano Galant también nos dio el mismo consejo: si te pasas cinco años estudiando algo que no te gusta, seguro que no vas a pasarte la vida trabajando en ello. Era mejor elegir lo que nos gustaba. Aunque parezca una obviedad, aún oigo en el Metro a muchos adolescentes hacerse cábalas sobre qué van a estudiar, y no tienen en cuenta algo tan sencillo como esto.

Fotograma de The  Message, R. Krumme, una influencia estilística en La Flor carnívora 

P: ¿Cuáles fueron  tus experiencias durante la carrera de cara a  tu evolución posterior como artista y como docente?

R: Pienso que soy afortunada porque he tenido profesores que se han preocupado por mí, y que no han dudado en reconocerme méritos: Manuel Balaguer (Escuela Municipal de Dibujo y Pintura), José Luis Álvarez (Anatomía), Carlos Villavieja (Hª del Arte), Enric Alfons (Dibujo), Rosa Martínez-Artero (Retrato), y  Ricardo Llorens, con el que seguí dos cursos intensivos de retrato después de la Facultad. Y Raimund Krumme, con quien hice un curso de animación en la Facultad. Hay profesores que bien pueden ponerte matrícula de honor dos años seguidos, pero son incapaces de decirte claramente, "animas bien", o "tú puedes vivir de tu trabajo". Por el contrario, ese pequeño refuerzo positivo es lo que permanece, y con el paso de los años los profesores que te lo dieron son los que tienes como modelo.

Raimund Krumme

Por otro lado, Bellas Artes es una carrera muy poliédrica donde aprendes de todo y es posible que no te especialices en nada. En mi caso, el camino del Dibujo me llevó a la Animación, entre otras cosas porque veía que los discursos del Arte me decían muy poco. Pasé un primer año fabuloso de Escultura modelando en barro y aprendiendo materiales; pero en el segundo nos veíamos reducidos a hacer ready-made y duchampeces que, en mi opinión, no era lo más adecuado para la formación básica que entonces necesitábamos. Esto cortó para mí una vía interesante de formación. Por otro lado, la animación es un campo muy atractivo porque ofrece la unión del dibujo clásico con las nuevas tecnologías.

Fotograma de Schwizgebel

P: ¿Por qué te  decantaste por la docencia?

R: Por casualidad. Había quedado primera de promoción y me di cuenta de que, si no me ponía a hacer el doctorado, perdería una gran oportunidad. Conseguí una beca de cuatro años  con la que se podía impartir un poco de docencia, en prácticas, a partir del segundo año. Para entonces, 2003, ya estaba produciendo "Retrato de D.". Fui al Animac (Lleida) porque se hacía una presentación pública de proyectos para buscar productores, y allí había dos figuras muy importantes: Maureen Selwood (animadora) y Janeann Dill (historiadora). Como estaban ellas allí, había que tratar de hacer una presentación bilingüe. No estaba preparada para ello, pero me autotraduje bastante bien. Recuerdo que en el desayuno, al día siguiente, Janeann Dill me dijo que cuando me miraba en la presentación, estaba viendo a una profesora.

Creo que tengo una preocupación natural por comunicar, y la docencia es una forma más de darle salida, además de mi medio de vida.

Fotograma de Retrato de D.

P: ¿Cómo te identificas más, como pintora/  dibujante o como animadora, como artista o como docente?

R: Como un poco de todo. Como un hombre del Renacimiento. Sin embargo, ese ideal de persona que domina gran número de materias hoy en día es difícil de encontrar, entre otras cosas porque los campos del conocimiento están mucho más expandidos. Soy una investigadora en animación que sabe dibujar. Soy una animadora que sabe pintar retrato. Soy una pintora que escribe. Soy una profesora que además edita una revista. Cada vez hago más cosas, y con frecuencia se retroalimentan entre sí.

Sin embargo, la Filmoteca ha decidido por mí lo que soy: realizadora de animación. Me presentan así, cuando lo normal sería decir, "profesora de la Universitat Politècnica de València". Así que me quedo con eso, porque es como lo siento.

Leoconda, del concurso Rafael Penagos

P: Fíjate que hablas de hombre del Renacimiento, pero ese ideal de la cultura integral  seguramente lo compartieron y lo llevaron también a la práctica algunas mujeres ilustres, aunque la Historia en clave masculina nos ha escamoteado sus nombres. Les enseñaron los fundamentos del saber de su época pero solo les dejaron reflexionar sobre ellos a puerta cerrada. Leonardo siempre ha sido un pintor muy admirado por ti.

En otro orden de cosas, ¿cuáles son tus  influencias artísticas más directas en pintura y en animación. ¿Te  adscribirías a alguna escuela o corriente?

R: Una cosa son las preferencias o gustos, que pueden ser muy amplios, y otra lo que realmente evocas cuando trabajas. A mí me gusta mucho Bacon, pero no pinto como él. Me gustan Velázquez, Goya, Sorolla, Sargent, Boldini... De los dos últimos hay ecos en "Retrato de D.", pero también de Dix y  Munch. Sería difícil hablar de una sola corriente, pero en pintura, lo mío es el realismo.

John Singer Sargent

Boldini

Tengo que destacar la influencia de mi amistad con José Manuel Cajal. Un gran pintor paisajista urbano, que, según él, no aprendió a pintar en BBAA, sino por sí mismo al terminar la carrera. No pinta apenas figura porque tiene cierto grado de daltonismo. Conocerlo me animó a volver a pintar, después de cuatro años de barbecho, en los que sólo pintaba a ratos un retrato... Por fin lo acabé y salí del bloqueo.

Las pinturas de Cajal se pueden ver aquí: http://josemanuelcajal.com/

Naturalmente, los animadores que más admiro también confiesan influencias pictóricas: Joanna Quinn admira a Goya y Daumier; Georges Schwizgebel es un gran entendido del arte clásico (http://www.youtube.com/watch?v=wvh07WQQcJM); y luego están los que tienen influencias literarias, como Raimund Krumme o Gil Alkabetz. Alkabetz hace un tipo de animación que es cada vez más conceptual. Lo admiro mucho, pero no me atrevería a seguir algunas de sus propuestas más radicales. Con todo, cuando disfrutaba haciendo el montaje de "El gato baila con su sombra", encontrando libremente dónde debían ir aquellos fragmentos realizados por 50 animadores, y con la música de un joven e inspirado compositor, Armando Bernabeu Lorenzo, me acordaba de "The Da Vinci Time Code":

https://vimeo.com/66833395

Las influencias cinematográficas también son importantes. Alkabetz admira a Lubitsch por el uso del sonido fuera de campo (el "toque Lubitsch"). Krumme es fan de Robert Bresson, que me impactó mucho ("Pickpocket", "El dinero"). Yo soy más de Polanski ("Repulsión", "El quimérico inquilino") y de Lynch ("Carretera Perdida"; hay mucho de esto en "La flor carnívora").

Fotograma de "El gato baila con su sombra", animado por Laura Llorens

P: ¿Cómo vives cada nuevo proyecto  fílmico desde su concepción hasta la postproducción? Por poner el símil  de los buenos novelistas, se entregan a la historia antes de comenzar a  escribir con una  documentación y ambientación exhaustivas, durante la elaboración dejan  un poco que los personajes cobren vida y se muevan por sí solos, y  después suelen decir que se quedan como vacíos, hasta que recuperan otro proyecto que llena el hueco. ¿Te pasa a ti algo parecido y cómo lo explicarías?

R: Solo esta pregunta daría para una conversación de una hora pero, simplificando, te diré que no, no me quedo vacía. Siempre hay más proyectos detrás, ideas que recolectas y almacenas, y que esperan el momento oportuno para madurar y salir fuera. Mi proyecto actual lo tengo en mente desde 2002. Le ha costado tomar forma.

Como no soy una realizadora profesional que tenga que vivir de esto y trabaje ocho o diez horas diarias en lo mismo, mis procesos de creación son muuuuy lentos, y a veces, casuales. Es uno de los problemas de la dispersión. "El gato baila con  su sombra" surgió de una observación casual: Enrique y yo vimos un gatito haciendo monerías frente a un foco, donde se reflejaba su sombra. Un señor sudamericano que por allí pasaba dijo, "con su sombra juega". Esta idea me llevó a la escena de "Carmen la de Triana"( Florián Rey, 1938), donde Carmen, en un anticipo de su fatalidad, baila con su sombra proyectada en la pared. Ahí estaba todo. Pero el proceso creativo propiamente dicho lo hicieron otros, la animación de las secuencias. Yo me ocupé de la parte conceptual, de coordinar el proyecto y de darle forma final. "El gato" es una excepción.

La leyenda de Butades, John Wright

"La flor carnívora" partía de una idea muy loca: la de unas piernas transformándose en tijeras y cortando la cabeza del amante durante el coito. A veces se me ocurren esas cosas. Atesoré esa idea durante años y poco a poco se transformó en relato, introduciendo nuevos elementos que iba recolectando mentalmente, como la sombra dibujada (la leyenda griega de Butades acerca del origen de la pintura), la escena de la fotografía en la playa (la manía de hacerse las mismas fotos con distintas novias que  tienen algunas personas), el boliche de la cama que siempre se cae, incluso la escena de la tijereta en la coliflor: eso lo introduje en el último momento, con la animación ya casi acabada, porque necesitaba una escena de tensión a mitad del segundo acto. Lo de la tijereta me había pasado de verdad.

Repulsión , de R. Polanski, una influencia en La flor carnívora

Y luego hay una serie de imágenes recurrentes que una las pone no por ahorrar trabajo, sino porque intuyes que te están diciendo algo: el caminado subjetivo (el plano de los pies que caminan) se repite en "Retrato de D." y el "La flor", así como las formas circulares, con historias que empiezan por el final.

Este fragmento lo hice para un proyecto colectivo de la UNAM, "Zapping Animation", y es como una mezcla de "La flor" y "El gato", aún por venir (el sonido estaba dado):

http://politube.upv.es/play.php?vid=45833

En mi actual trabajo, como en "Retrato", he partido de un relato, pero en este caso era un relato ajeno. Es más fácil cortarlo y dejarlo en el esqueleto, en lo esencial, cuando el cuento no es tuyo. Reduje 30 páginas a 3. Y eso da para 10 minutos de animación. Durante dos años he estado tomando vídeos, un poco a capricho, aprovechando los viajes que he hecho. Una vez tuve el guión, lo grabé y lo puse en la línea de tiempo de Premiere (un programa de grabación), y como un collage, acoplé los vídeos que más se adecuaban a cada momento. Naturalmente, también hice dibujos con las acciones del personaje, para que todo casase. Normalmente se hace al revés: primero haces un guión gráfico y luego pruebas a ponerlo en la línea de tiempo, pero en este caso, después de la experiencia de "El gato", no he podido evitar ser un poco más experimental. El montaje es una parte muy disfrutable del proceso creativo, donde conjugas la imagen y el sonido y te lleva a interesantes hallazgos, y es una pena dejarlo solo para el final. Tratándolo desde el comienzo le puedes sacar todo el rendimiento.

Fotograma de Retrato de D.

P: Pensando en una persona lega, ¿cómo le explicarías el tipo de animación que tú haces frente a los "dibujitos de la tele"?

R: Los "dibujitos de la tele", como tú dices, proceden de un entramado comercial organizado en productoras, donde existe división del trabajo, múltiples perfiles profesionales, supervisiones a muchos niveles, subcontratas en Asia, fechas de entrega, y sueldos.

Por el contrario, el animador independiente es un freelance que hace la película que él quiere ver. Se pone sus objetivos y los cumple en un plazo accesible: un corto puede costar un año o dos de trabajo, incluso contando con un pequeño equipo. Yo suelo recurrir a un ayudante para la animación, y otro para la postproducción (trabajo de ordenador). Y desde hace pocos años, cuento con un músico genial: Armando Bernabeu Lorenzo.

Luego, dependiendo del formato final, puedes necesitar recurrir a compañías que te hacen la impresión de la película en 35mm y un técnico de sonido que te arregla la banda sonora.

Ver uno de estos cortos es más difícil que ver una serie. Su medio de difusión son los festivales, porque no se suelen ver en salas comerciales. Si consigues una venta, suele ser para televisión, y los cortos son una cosa bastante excéntrica y que no suele estar destinado a todos los públicos, por lo que suelen ir confinados a programas culturales que empiezan a las 12 de la noche. En mi caso, Ficcionari en Punt 2. Es gracioso cuando enciendo la tele y de repente la están poniendo.

Foograma de La flor carnívora

P: Sí, a mí también me ha pasado encontrármela en la madrugada.Y, efectivamente, tu músico colaborador tiene mucho talento. Es una suerte contar con él para que la música de tus cortos se adapte exactamente a tus expectativas. Continuando con la conversación, ¿consideras tu reciente  retorno al retrato una nueva etapa en tu trayectoria?

 R: Una etapa interrumpida por el embarazo (no se puede pintar al óleo), pero yo diría que sí. El trabajo de bloc de bocetos es la prueba más evidente de ello. Lo retomé en Palermo por puro aburrimiento,en  septiembre 2011, y de repente me encontraba haciendo lo que mejor se me daba, rodeada de una "tribu" de personas entusiastas que aprendían viéndome dibujar y que querían ser retratados. Fue fenomenal. Cuando suceden así las cosas, todo es posible. Pero cuando conseguir un boceto de alguien se convierte en una situación forzada, ya no puedes dibujar más.

P: En síntesis,  cómo es tu experiencia como enseñante?

R: Puedo decir que gratificante, porque enseño materias que domino bien y el público (los alumnos) es agradecido. Me siento bien valorada, lo que es un premio a la exigencia que me impongo al preparar las lecciones, corregir los ejercicios, etc. Es mi medio de vida y creo que he logrado un grado alto de profesionalización (lo que suele significar que aceptas lo que en cada momento se disponga; a partir de enero enseñaré animación 3D).

P: ¿Qué clase de literatura, música y cine prefieres?

R: Creo que ya he respondido un poco a esto, pero mi instrumento fetiche, como dice mi amiga Verónica  es el piano. Me vale casi cualquier música de ese instrumento. En cuanto al cine, me gustan las que juegan con el tiempo y los puntos de vista: "Corre Lola Corre", "Rashomón", "Donnie Darko", "Memento"... Y las que tratan perspectivas inusuales, como las que he mencionado antes de Polanski y Lynch, donde ahondan en las personalidades divididas. También me gusta el cine autorreferencial: "Adaptation. The Orchid Thiev" es una de las películas que más me hacen pensar en el proceso creativo. Y el cine expresionista es imprescindible: Murnau, Lang, y otros epígonos como Laughton y Welles, son siempre una lección de cine. Cómo con tan poco se puede decir tanto.

Literatura: confieso que leo poca. Desde la tesis, solo leo ensayo. Quizá, cuando puedo leer por diversión, lo que elijo suele estar más o menos en relación a lo que estoy trabajando: La Odisea cuando estaba con Ulises 31, Verne o Wells cuando estaba con el tema steampunk, o Bioy Casares con el artículo de Morel. Borges me gusta mucho y está en relación con ese cine de caminos que se bifurcan. Yo quería que "Retrato de D." fuera un relato borgiano.

Fotograma de Retrato de D.

P: Tu fetiche: no sin mi…

R: Portátil. Móvil. Hija. No necesariamente en este orden. Me gusta trabajar con un muñeco de plástico al lado, como la de Cleopatra de Astérix durante mi tesis Formar colecciones me ayuda a combatir la presión. Junté a todos los personajes de Toy Story 2 cuando preparaba la oposición. También uso a menudo un Madel Man  para estudiar algunos puntos de vista. Como decía la publicidad, "los Madel Man lo pueden todo": sus posturas son muy naturales y sirven bien a la observación, si careces de otra cosa.

Últimamente me he acostumbrado a trabajar, siempre, con vídeo de referencia. Así trabajan todos los profesionales: grabas primero con actores, lo que se nota bastante en "La flor carnívora".

P: Tu momento del día más creativo

R: Antes era cuando no podía dormir, ahora es cuando doy el pecho a la niña. Una pausa obligada te ayuda a replantearte problemas. Los tiempos de espera en los aeropuertos, o los viajes, también ayudan a sacar el lápiz y papel y repensar ciertas cosas.

 

P: ¡Para que luego digan del vacío humano de los no-lugares! ¿Crees que hay un estilo mujer para la creación artística y si está esa huella femenina en tu obra?

R: Pues es un punto de vista del que, como creadora, huyo con todas mis fuerzas, pero suele emerger a veces: "La flor" es muy femenina, muy personal, pero me decanto más por el otro yo con voz masculina. "El gato", confrontado con el perro, era también una figura femenina.

Muchos teóricos y aficionados al cine creen sin duda que existe ese estilo mujer que mencionas, y que suele estar asociado al trabajo independiente, a trabajar con otras e vas a animar, y luego lo copias. Yo lo copio a simple vista, otros calcan directamente cada fotograma. Antes usaba fotografías de las poses clave de cada plano, pero el resultado queda un poco frío. Se mujeres, a los temas marginales, o sociales, o intimistas... Yo he tratado un poco este tema aquí:

http://www.academia.edu/3855639/A_Film_of_Ones_Own_The_Animated_Self-Portraits_of_Young_Contemporary_Female_Animators

P: ¿Consideras que hay algún hilo conductor entre tus películas?

R: Puede haberlo. Como he dicho antes, hay imágenes recurrentes, e incluso ideas que me guardo de una película a otra. Creo que hay una obsesión por la identidad: el "yo" de Nowan a través del retrato vampírico (en el cual se convierte), el "tú" amoroso que se metamorfosea en "La flor", y en la próxima, el "ello", lo desconocido e innombrable. Todos los intentos del conocimiento están condenados a fracasar. Y también son historias que tienen que ver con el tiempo, lo que creo que es muy coppoliano.

P: ¿Crees  que la maternidad va a aportar algo nuevo a tu quehacer profesional?

R: Sí, velocidad. Mayor aprovechamiento de los fragmentos de tiempo residuales a lo largo del día, y una mejor organización de las prioridades.

Autorretrato de María Lorenzo en Annency

Confío en que, tras la entrevista, tengáis interés en conocer la original obra de María Lorenzo. Pongo los enlaces de acceso:

link a “Retrato de D.”, la historia de un pintor que vendió su alma para alcanzar la gloria artística

https://vimeo.com/5743368

link a "La flor carnívora", una historia del amor y  la soledad femenina:

https://vimeo.com/3941739

link a "El gato baila con su sombra": http://vimeo.com/39226286

También podéis visitar su web:

http://www.depdib.upv.es/mlorenzo

Tenéis un interesante monográfico dedicado a María Lorenzo en http://mujeresparalahistoria.blogspot.com.es/2013/11/pasion-por-animar-vampiros-gatos-y_8.html Tras su nuevo y extraordinario corto La nit de l óceà (2014) hemos mantenido otro diálogo, al que podéis acceder en este enlace: http://mujeresparalahistoria.blogspot.com.es/2015/05/lovecraft-en-el-mediterraneo-la-nit-de.html